martes, 26 de mayo de 2015
martes, 5 de mayo de 2015
miércoles, 22 de abril de 2015
miércoles, 8 de abril de 2015
martes, 7 de abril de 2015
miércoles, 18 de marzo de 2015
RESUM DEL MODERNISME CATALÀ
El Modernisme català
RESUM
El Modernisme a Catalunya va tenir una fantàstica expansió, ja que el país estava obert als corrents procedents d'Europa, per tal d'afermar les seves diferències amb Espanya i reforçar els seu nacionalisme polític, en un període liderat per la "Renaixença".
Especialment el paper de Domènech i Montaner (1849-1923) va ser essencial per definir el "Modernisme arquitectònic" a Catalunya. El seu article "En busca d'una arquitectura nacional", publicat a la revista "La Renaixença", exposa la manera d'aconseguir una arquitectura moderna que reflecteixi el caràcter nacional català.
Els Modernistes, creien en la imaginació creativa com a creadora de símbols en contrast amb els eclèctics que pensaven en l'art com a representació objectiva de la realitat. De fet, el Modernisme representa a tot el món i en especial a Catalunya la llibertat per la creació de noves formes anteriorment no acceptades, traient l'art de l'encarcarament acadèmic. Aquestes noves tendències són evidents en les diferents arts com l'arquitectura (inclosos tot tipus d'edificis), escultura (tant com a art independent, com a complement d'edificis), pintura, arts decoratives (amb materials com mosaic, vidre, fusta, tèxtils i ferro per manufacturar qualsevol objecte com mobles, làmpades, joies, vestits, ampolles, vaixelles, coberteries, catifes, etc.), literatura i música.
El Modernisme va tenir una enorme acceptació social a Catalunya com a part de la "Renaixença" i els artistes que en formaven part van esdevenir molt populars. Això és així amb els arquitectes esmentats, però també amb pintors com Ramon Casas, Isidre Nonell o Santiago Rusiñol (organitzador de les "Festes Modernistes" realitzades a Sitges al final del segle XIX).
Antoni Gaudí
_A Catalunya l’artista indiscutible és l’arquitecte Antoni Gaudí (1852-1926).
Gaudí passa artísticament per diversos períodes. En un principi està influenciat pel eclecticisme francès, com es pot comprovar en la Cascada del Parc de Barcelona. Posteriorment viu una etapa oriental caracteritzada pel fort ús del color, sobretot en les atzabeges, i de les gelosies. Exemple és el Palau Güell de Barcelona, si bé ja apareixen en ell els seus típics arcs parabòlics a les portes, i un personal estil d’inspiració biològica.
_ La tradició gòtica arrelada a Catalunya influeix molt a Gaudí, qui inicia el seu camí goticista, de tall medieval, tal i com es reflecteix en l’alçat i façana de la Casa de los Botines a Lleó. Finalmente, l’artista assoleix la maduresa creativa, el modernisme ple. En el Parc Güell, realitzat entre 1900 y 1914.
Entre les seves obres més notables cal esmentar la Casa Batlló, de 1905; revestida de mosaics de colores, amb columnes i mainells inspirats en les formes dels ossos humans. La sorprenent Casa Milà, acabada el 1910, també coneguda com La Pedrera, es caracteritza per les superfícies còncaves i convexes, de gran plasticitat, inclús en la línia que remata la cresta de la teulada.
Gaudí dedica gran part de la seva vida a la construcció de la seva obra més emblemàtica i audaç: La Sagrada Família. Rep l’encàrrec el 1883 i a la seva mort, el 1926, l’obra es manté inconclusa. De les tres façanes projectades només acaba la de la Nativitat, de la que parteixen quatre altes torres circulars rematades amb mosaics que brillen sota la llum del sol. Tracta la decoració com si fos una espectacular escultura plena de formes capricioses i abundant decoració vegetal, plenament modernista.
Obra.-
A Barcelona: Bellesguard, Casa Andreu Calvet, Casa Batlló, Casa Vicens, Col.legi Santa Teresa, Escoles Sagrada Família, La Pedrera, Pavellons Güell , Palau Güell, Park Güell, Sagrada Família , Tanca Finca Miralles .
A La Pobla de Lillet: Xalets de Catllaràs, Jardins Artigas.
A Mataró: Cooperativa Obrera.
A Montserrat: Via Crucis (1er misteri de Glòria).
A Santa Coloma de Cervelló: Colònia Güell .
A Garraf (Sitges): Cellers Garraf .
Lluís Domènech i Montaner (1850-1923)
Nascut a Barcelona el 1850 Lluís Domènech i Montaner va demostrar des de la seva joventut la seva passió per a la arquitectura. Exercí una gran influència en la difusió del Modernisme des de la seva càtedra de l'Escola d'Arquitectura de Barcelona. Les seves obres es caracteritzen per una barreja de racionalisme constructiu i de fabulosa decoració inspirada en l'arquitectura hispano-àrab i en el gust pel dibuix curvilini tant pròpia del Modernisme.
Lluís Domènech i Montaner morí a Barcelona 1923.
Obra:
A Barcelona: Casa Fuster, Casa Lamadrid, Casa Lleó i Morera, Casa Thomas, Museu de Zoologia, Editorial Montaner i Simón, Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Palau Ramon Montaner.
A Canet de Mar: Ateneu Obrer , Castell de Santa Florentina, Casa Roure (Ca la Bianga), Restaurant la Misericòrdia.
A Olot: Casa Solà-Morales.
A Reus: Casa Gasull, Casa Navàs, Casa Rull , Institut Pere Mata .
Josep Puig i Cadafalch (1867-1957)
-Nascut a Mataró (El Maresme) l'any 1867. Estudiant encara, el 1887 ingressà al Centre Escolar Catalanista formant part del grup de la Renaixença. Acabà la seva carrera d'arquitecte el 1891 a Barcelona i es posa a treballar a la seva ciutat natal a on arriba a ser arquitecte municipal des dels seus 24 a 29 anys, època en que construeix alguns del seus primers edificis en aquesta ciutat.
Nomenat Professor de l'Escola d'Arquitectura de Barcelona, (Càtedres d'hidràulica i de Resistència de materials), va desenvolupant àmpliament les seves qualitats. A part de la seva activitat professional com a arquitecte, desenvolupa una àmplia labor política en el camp del catalanisme.
_ l'època rosa (Modernisme), pren com a símbol la casa pairal aristocràtica catalana i cerca la inspiració en models nòrdics. A aquesta època pertanyen la Casa Martí (1896), la Casa Macaya , la Casa Amatller (1900) i sobretot la Casa de les Punxes o Casa Terrades (1905).
La segona època blanca (Idealisme racionalista) correspon mes aviat als gustos de la nova elit burgesa, pràctica i ordenada. A aquesta època corresponen la Casa Trinxet, la Casa Muntades i la Casa Company.
La tercera època època groga (Monumentalisme) es desenvolupa durant el període de l'Exposició Universal de Barcelona de 1929, de la que fou el primer arquitecte. Es caracteritza pel monumentalisme, el color groc de les façanes i la imitació de l'arquitectura romana que es barreja amb el tipisme valencià i andalús dóna com a resultat un preciosisme barroc.
Des de 1942 fins a la seva mort l'any 1957 a Barcelona, va ser President de l'Institut d'Estudis Catalans.
Obra:
A Barcelona: Casa Macaya, Casa Martí (Els 4 gats), Casa Muley-Afid, Casa Muntades, Casa de les Punxes, Casa Sastre Marquès, Casa Serra, Fàbrica Casaramona , Palau Baró de Quadras , Torre Pastor de Cruïlles .
A Argentona: Casa Garí, Casa Puig i Cadafalch .
A Lloret: Creu de terme, Ermita Verge de Gràcia, Panteó Costa (Cementiri) .
A Mataró: Ajuntament , Casa Coll i Regàs, Casa Parera , Casa Sisternas , El Rengle , La Beneficència.
miércoles, 21 de enero de 2015
LAS MENINAS
LAS MENINAS
LO QUE PUEDES VER
El tema del quadre sembla trivial, la infanta i els seus damitas de companyia (menines en portuguès) irrompen en l'estudi de Velázquez, pintor de cambra del rei Felip IV, que es troba pensatiu i observa els models que es disposa a pintar. Nosaltres podem ser aquests models ja que som contemplats per Velázquez. No obstant això, els reis Felip IV i Mariana d'Àustria, als que veiem reflectits al mirall del fons, són les persones que el pintor retrata.
Però anem per parts, en primer terme i d'esquerra a dreta tenim a Maria Agustina Sarmiento que està fent una reverència i oferint en una safata platejada 1 jarrito o gerro vermell a la infanta Margarida d'Àustria que es troba al centre de la composició i resulta ser una deliciosa i encantadora nena de sis anyets d'edat. Margarida accepta amb la seva mà el jarrito i ens observa amb la seva candorosa mirada infantil.
Una mica més a la dreta veiem a una altra menina, Isabel de Velasco, que també mostra els seus respectes mitjançant una suau reverència. La següent és Maribárbola, nana macrocéfala d'origen alemany, que també ens mira i, finalitzant aquest pla, Nicolasillo Pertusato, que sembla un nen però també era un nan, bastant entremaliat per cert, doncs ja veus que li està donant un cop de peu a un gran mastí estirat a terra.
LA TÈCNICA
Tècnicament el quadre és insuperable. El conjunt de perspectives utilitzades és únic i produeix un efecte "atmosfèric" en l'ambient representat, com si el pintor hagués pintat l'aire entre les figures. Anem a analitzar-: la primera perspectiva que observes és la lineal, diverses línies imaginàries o no (línia del sostre-paret; quadres penjats, el sòl) guien la nostra vista cap al fons i ens fan creure en una forta tridimensionalitat.
Aquest sorprenent efecte es reforça amb un sòl neutre, de moqueta, que avança cap a la nostra posició i, sobretot, amb uns espais alternativament il·luminats i en penombra que subratllen l'efecte d'allunyament.
L'altra perspectiva és l'aèria, la difuminació progressiva dels contorns i la degradació de les gammes tonals amb l'augment de la distància i l'allunyament. Com rematada, Velázquez posa un forat il·luminat al centre (la porta oberta) que dóna a una estada on no veiem la fi, és a dir, el quadre té una perspectiva il·limitada.
Aquesta combinació de perspectiva aèria i lineal és el que ha fascinat a tots, experts o no, des del segle XVII.
EL QUE NO ES VEU
D'altra banda, el mirall és la burla espacial per antonomàsia, ens enganya i confon, crea espais il·lusoris i, si et poses d'esquena i mires el quadre amb un mirallet, t'emportaràs una sorpresa per l'efecte fortament realista que produeix. Quan contemples el quadre directament, la teva vista és dirigida cap al fons i el mirall et torna la imatge.
Així es crea una interrelació tan estreta entre el pintat i el real que resulta difícil distingir-los.
L'aparent trivialitat del tema és també enganyosa ja que Velázquez va estar tota la seva vida reivindicant la superioritat de la pintura per sobre de les activitats purament artesanals entre les que estava inclosa; ell considerava la pintura com una activitat intel·lectual superior, el moment important no era l'acte de pintar sinó la idea, el concepte i el pensament previs al fet mecànic d'aplicar l'oli sobre el llenç. En resum, la superioritat de l'artista sobre l'artesà.
LA LLEGENDA
Un quadre així no podia passar desapercebut per a la imaginació popular i el fet que va donar peu per inventar una bonica llegenda el va provocar la creu de Santiago que porta pintada Velázquez sobre la seva vestimenta.
Sabem que va ser nomenat cavaller de l'Ordre de Santiago a títol pòstum a 1.660. això vol dir que algú se la va pintar després de mort a Las Meninas.
Seria, segons la tradició el propi rei Felip IV, que, agraït pels nombrosos serveis de Velázquez com aposentador real i, sobretot, com a pintor, realitzaria la creu amb la seva règia mà.
LO QUE PUEDES VER
Però anem per parts, en primer terme i d'esquerra a dreta tenim a Maria Agustina Sarmiento que està fent una reverència i oferint en una safata platejada 1 jarrito o gerro vermell a la infanta Margarida d'Àustria que es troba al centre de la composició i resulta ser una deliciosa i encantadora nena de sis anyets d'edat. Margarida accepta amb la seva mà el jarrito i ens observa amb la seva candorosa mirada infantil.
Una mica més a la dreta veiem a una altra menina, Isabel de Velasco, que també mostra els seus respectes mitjançant una suau reverència. La següent és Maribárbola, nana macrocéfala d'origen alemany, que també ens mira i, finalitzant aquest pla, Nicolasillo Pertusato, que sembla un nen però també era un nan, bastant entremaliat per cert, doncs ja veus que li està donant un cop de peu a un gran mastí estirat a terra.
LA TÈCNICA
Tècnicament el quadre és insuperable. El conjunt de perspectives utilitzades és únic i produeix un efecte "atmosfèric" en l'ambient representat, com si el pintor hagués pintat l'aire entre les figures. Anem a analitzar-: la primera perspectiva que observes és la lineal, diverses línies imaginàries o no (línia del sostre-paret; quadres penjats, el sòl) guien la nostra vista cap al fons i ens fan creure en una forta tridimensionalitat.
Aquest sorprenent efecte es reforça amb un sòl neutre, de moqueta, que avança cap a la nostra posició i, sobretot, amb uns espais alternativament il·luminats i en penombra que subratllen l'efecte d'allunyament.
L'altra perspectiva és l'aèria, la difuminació progressiva dels contorns i la degradació de les gammes tonals amb l'augment de la distància i l'allunyament. Com rematada, Velázquez posa un forat il·luminat al centre (la porta oberta) que dóna a una estada on no veiem la fi, és a dir, el quadre té una perspectiva il·limitada.
Aquesta combinació de perspectiva aèria i lineal és el que ha fascinat a tots, experts o no, des del segle XVII.
EL QUE NO ES VEU
D'altra banda, el mirall és la burla espacial per antonomàsia, ens enganya i confon, crea espais il·lusoris i, si et poses d'esquena i mires el quadre amb un mirallet, t'emportaràs una sorpresa per l'efecte fortament realista que produeix. Quan contemples el quadre directament, la teva vista és dirigida cap al fons i el mirall et torna la imatge.
Així es crea una interrelació tan estreta entre el pintat i el real que resulta difícil distingir-los.
L'aparent trivialitat del tema és també enganyosa ja que Velázquez va estar tota la seva vida reivindicant la superioritat de la pintura per sobre de les activitats purament artesanals entre les que estava inclosa; ell considerava la pintura com una activitat intel·lectual superior, el moment important no era l'acte de pintar sinó la idea, el concepte i el pensament previs al fet mecànic d'aplicar l'oli sobre el llenç. En resum, la superioritat de l'artista sobre l'artesà.
LA LLEGENDA
Un quadre així no podia passar desapercebut per a la imaginació popular i el fet que va donar peu per inventar una bonica llegenda el va provocar la creu de Santiago que porta pintada Velázquez sobre la seva vestimenta.
Sabem que va ser nomenat cavaller de l'Ordre de Santiago a títol pòstum a 1.660. això vol dir que algú se la va pintar després de mort a Las Meninas.
Seria, segons la tradició el propi rei Felip IV, que, agraït pels nombrosos serveis de Velázquez com aposentador real i, sobretot, com a pintor, realitzaria la creu amb la seva règia mà.
VIDA Y OBRA DE DIEGO DE VELAZQUES
VIDA Y OBRES DE VELAZQUEZ.
La data de naixement no és coneguda, però se sap que va ser batejat a Sevilla el 6 de juny de 1599
a la parròquia de San Pedró, pel capellà Gregorio de Salazar. El pare,
Juan Rodríguez de Silva, era fill de Diogo Rodrigues da Silva i Maria
Rodrigues, un matrimoni portuguès d'origen noble.
El23 d'abril de1618 Velázquez es va casar amb Juana, la filla del seu mestre francisco pacheco, a l'església de San Miguel de Sevilla. A la ciutat li van néixer les dues filles: Francisca (1619), que el 1634 es va casar amb el pintor i ajudant de Velázquez Juan Butista Martinez del mazo, i Ignacia (1621) que va morir de petita.
Es té notícia que va rebre classes de llatí i filosofia i que va ser educat amb la «llei del temor de Déu». Molt aviat va demostrar habilitats en el dibuix,i no va trobar cap oposició per part del pare, que el va deixar seguir «la seva inclinació».
Va poder entrar al taller del pintor Francisco Herrera de Vell, un artista amb un gran prestigi a Sevilla, però amb un caràcter violent, fet que probablement va contribuir a limitar l'estada del jove Velázquez a un any escàs.
El 1610 va entrar a l'escola de pintura de Francisco Pacheco. Aquest artista impartia el seu mestratge amb rectitud, però concedia al jove alumne una certa llibertat creadora.
Es conserva el contracte signat entre el pare de Velázquez i Pacheco, redactat el setembre de 1611 quan l'aprenent portava quasi un any amb el mestre. El document recull que Pacheco havia d'ensenyar-li el seu art al jove Velázquez, donar-li casa, menjar, beguda, vestit i calçat; a canvi, Diego havia de moldre els colors, escalfar les coles, armar bastidors i tesar-los, entre altres obligacions.
PINTURES I OBRES
Primer estil
En aquesta època la producció del pintor és similar a la dels seus contemporanis: rep encàrrecs religiosos com la Immaculada Concepció, actualment a la National Gallery de Londres. i el Sopar a Emaús, exposada al Metropilitan Museum de Nova York. Aquesta forma d'interpretar el natural li va permetre d'arribar al fons dels personatges, i així va demostrar aviat una gran capacitat per al retrat i de transmetre la força interior i el temperament de cada individu.
Les primeres obres de Velázquez realitzades a Sevilla
són pintures sobretot de gènere, i segueixen les ensenyances del seu
mestre, procurant la còpia del natural i amb una influència del Tenebrisme de Caravaggio,
que comporta l'ús de tons foscs als fons i un dibuix ben definit. Els
personatges són models del poble, que apareixen formant part de les
natures mortes, com s'observa. També tracta temes religiosos, obres en les quals utilitza les tècniques del Realisme
junt amb la iconografia ben definida també pel seu mestre, com s'aprecia al Sant Joan Evangelista a Patmos; els models pertanyen a la mateixa família del pintor. Per a Velázquez, el que representava l'obra d'art era el correcte acabat de les obres atenent al mínim detall.
Establert a Madrid, evoluciona cap a un realisme més lluminós, sobretot a partir del seu viatge per Italia durant dos anys; allà va assimilar el cromatisme de la pintura veneciana i realitzà un profund estudi dels grans mestres italians del renaixament. Això es pot palesar a les pintures La Forja del vulca i La tunica de jusef on s'aprecien models escultòrics inspirats en l'obra de Miguel Angel i el claropcurs de Guercino.
La data de naixement no és coneguda, però se sap que va ser batejat a Sevilla el 6 de juny de 1599
a la parròquia de San Pedró, pel capellà Gregorio de Salazar. El pare,
Juan Rodríguez de Silva, era fill de Diogo Rodrigues da Silva i Maria
Rodrigues, un matrimoni portuguès d'origen noble.El23 d'abril de1618 Velázquez es va casar amb Juana, la filla del seu mestre francisco pacheco, a l'església de San Miguel de Sevilla. A la ciutat li van néixer les dues filles: Francisca (1619), que el 1634 es va casar amb el pintor i ajudant de Velázquez Juan Butista Martinez del mazo, i Ignacia (1621) que va morir de petita.
Es té notícia que va rebre classes de llatí i filosofia i que va ser educat amb la «llei del temor de Déu». Molt aviat va demostrar habilitats en el dibuix,i no va trobar cap oposició per part del pare, que el va deixar seguir «la seva inclinació».
Va poder entrar al taller del pintor Francisco Herrera de Vell, un artista amb un gran prestigi a Sevilla, però amb un caràcter violent, fet que probablement va contribuir a limitar l'estada del jove Velázquez a un any escàs.
El 1610 va entrar a l'escola de pintura de Francisco Pacheco. Aquest artista impartia el seu mestratge amb rectitud, però concedia al jove alumne una certa llibertat creadora.
Es conserva el contracte signat entre el pare de Velázquez i Pacheco, redactat el setembre de 1611 quan l'aprenent portava quasi un any amb el mestre. El document recull que Pacheco havia d'ensenyar-li el seu art al jove Velázquez, donar-li casa, menjar, beguda, vestit i calçat; a canvi, Diego havia de moldre els colors, escalfar les coles, armar bastidors i tesar-los, entre altres obligacions.
PINTURES I OBRES
Primer estil
En aquesta època la producció del pintor és similar a la dels seus contemporanis: rep encàrrecs religiosos com la Immaculada Concepció, actualment a la National Gallery de Londres. i el Sopar a Emaús, exposada al Metropilitan Museum de Nova York. Aquesta forma d'interpretar el natural li va permetre d'arribar al fons dels personatges, i així va demostrar aviat una gran capacitat per al retrat i de transmetre la força interior i el temperament de cada individu.
Evolució de l'estil
Les primeres obres de Velázquez realitzades a Sevilla
són pintures sobretot de gènere, i segueixen les ensenyances del seu
mestre, procurant la còpia del natural i amb una influència del Tenebrisme de Caravaggio,
que comporta l'ús de tons foscs als fons i un dibuix ben definit. Els
personatges són models del poble, que apareixen formant part de les
natures mortes, com s'observa. També tracta temes religiosos, obres en les quals utilitza les tècniques del Realismejunt amb la iconografia ben definida també pel seu mestre, com s'aprecia al Sant Joan Evangelista a Patmos; els models pertanyen a la mateixa família del pintor. Per a Velázquez, el que representava l'obra d'art era el correcte acabat de les obres atenent al mínim detall.
Establert a Madrid, evoluciona cap a un realisme més lluminós, sobretot a partir del seu viatge per Italia durant dos anys; allà va assimilar el cromatisme de la pintura veneciana i realitzà un profund estudi dels grans mestres italians del renaixament. Això es pot palesar a les pintures La Forja del vulca i La tunica de jusef on s'aprecien models escultòrics inspirats en l'obra de Miguel Angel i el claropcurs de Guercino.
RESUM DEL BARROCO
EL BARROCO
Al segle XVII i començament del XVIII, l’idealisme característic del Renaixement va deixar pas a una visió del món molt més pessimista. Els artistes del barroc van tendir a exagerar l’expressió dels personatges, a destacar els contrastos i a recrear-se en els detalls.
L’art barroc és l’estil dominant del període així anomenat. Fou un procés desenvolupat entre dos formes de classicisme: la del Renaixement i la de l’era racionalista.
L'ARQUITECTURA BARROCA
Els arquitectes barrocs abandonen les línies regulars dels edificis renaixentistes i van imposar un estil marcat per les formes dinàmiques i complexes. En el cas dels temples, es torçaven les columnes, es trencaven i es corbaven els frontons, es creaven grans escalinates i enormes columnates, etc, perquè es volia atreure l’atenció del vianant per fer-lo passar a l’interior. (Portalada de la catedral de Solsona Portalada barroca de la catedral de Solsona, del segle XVIII i Façana de l'Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostel·la La façana de l'Obradoiro (1738-49) de la catedral de Santiago de Compostel·la, obra cabdal del barroc a la península Ibèrica).
Destaquen els arquitectes italians Francesco Borromini i Carlo Maderno, i els espanyols José Benito de Churriguera, Pedro de Ribera i Lorenzo Rodríguez.
L'ESCULTURA BARROCA
La concepció del cos humà s’allunya del cànon grecoromà. La màxima preocupació és el realisme i, per tant, l’expressivitat de les figures, que s’aconsegueix amb contorsions, postures forçades i la representació del moviment. (David David (1619), de Bernini , el rapte de Prosèrpina El rapte de Prosèrpina, de Bernini (Galleria Borghese, Roma) i el baldaquí de l'altar major de la basílica de Sant Pere de Roma El Baldaquí, obra de Bernini, a l'altar major de la basílica de Sant Pere de Roma, obres de Bernini).
LA PINTURA BARROCA
La pintura barroca es caracteritza pel realisme dels personatges, es dóna molta importància a la llum que fa ressaltar les figures sobre la penombra del quadre. S’accentuen les línies diagonals que creen inestabilitat i moviment sobre la tela.
Rembrandt (1606-1699) (L'home del casc d'or L'home del casc d'or, de Rembrandt (Museu de Berlín), Aristòtil amb el bust d'Homer Aristòtil contemplant el bust d'Homer, de Rembrandt, El retorn del fill pròdig El retorn del fill pròdig, dibuix del pintor holandès Rembrandt, Lliçó d'anatomia La lliçó d'Anatomia del Doctor Tulp (1634), de Rembrandt (Mauritshuis, la Haia) i El molí El molí, obra de Rembrandt (1606-1669)) i el valencià Josep de Ribera (1591-1652) (Martiri de sant Bartomeu Martiri de sant Bartomeu, obra de Josep de Ribera i Cucó) seran els capdavanters del clarobscur, de la distribució de les llums i de les ombres de tal manera que produeixin un efecte de relleu en les pintures. La temàtica és sobretot religiosa, mitològica o heroica (Caravaggio Catarina obra del pintor italià Michelangelo Merisi da Caravaggio).
Al segle XVII i començament del XVIII, l’idealisme característic del Renaixement va deixar pas a una visió del món molt més pessimista. Els artistes del barroc van tendir a exagerar l’expressió dels personatges, a destacar els contrastos i a recrear-se en els detalls.
L’art barroc és l’estil dominant del període així anomenat. Fou un procés desenvolupat entre dos formes de classicisme: la del Renaixement i la de l’era racionalista.
L'ARQUITECTURA BARROCA
Els arquitectes barrocs abandonen les línies regulars dels edificis renaixentistes i van imposar un estil marcat per les formes dinàmiques i complexes. En el cas dels temples, es torçaven les columnes, es trencaven i es corbaven els frontons, es creaven grans escalinates i enormes columnates, etc, perquè es volia atreure l’atenció del vianant per fer-lo passar a l’interior. (Portalada de la catedral de Solsona Portalada barroca de la catedral de Solsona, del segle XVIII i Façana de l'Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostel·la La façana de l'Obradoiro (1738-49) de la catedral de Santiago de Compostel·la, obra cabdal del barroc a la península Ibèrica).
Destaquen els arquitectes italians Francesco Borromini i Carlo Maderno, i els espanyols José Benito de Churriguera, Pedro de Ribera i Lorenzo Rodríguez.
L'ESCULTURA BARROCA
La concepció del cos humà s’allunya del cànon grecoromà. La màxima preocupació és el realisme i, per tant, l’expressivitat de les figures, que s’aconsegueix amb contorsions, postures forçades i la representació del moviment. (David David (1619), de Bernini , el rapte de Prosèrpina El rapte de Prosèrpina, de Bernini (Galleria Borghese, Roma) i el baldaquí de l'altar major de la basílica de Sant Pere de Roma El Baldaquí, obra de Bernini, a l'altar major de la basílica de Sant Pere de Roma, obres de Bernini).
LA PINTURA BARROCA
La pintura barroca es caracteritza pel realisme dels personatges, es dóna molta importància a la llum que fa ressaltar les figures sobre la penombra del quadre. S’accentuen les línies diagonals que creen inestabilitat i moviment sobre la tela.
Rembrandt (1606-1699) (L'home del casc d'or L'home del casc d'or, de Rembrandt (Museu de Berlín), Aristòtil amb el bust d'Homer Aristòtil contemplant el bust d'Homer, de Rembrandt, El retorn del fill pròdig El retorn del fill pròdig, dibuix del pintor holandès Rembrandt, Lliçó d'anatomia La lliçó d'Anatomia del Doctor Tulp (1634), de Rembrandt (Mauritshuis, la Haia) i El molí El molí, obra de Rembrandt (1606-1669)) i el valencià Josep de Ribera (1591-1652) (Martiri de sant Bartomeu Martiri de sant Bartomeu, obra de Josep de Ribera i Cucó) seran els capdavanters del clarobscur, de la distribució de les llums i de les ombres de tal manera que produeixin un efecte de relleu en les pintures. La temàtica és sobretot religiosa, mitològica o heroica (Caravaggio Catarina obra del pintor italià Michelangelo Merisi da Caravaggio).
Suscribirse a:
Entradas (Atom)